Crema de cebada

Tras dejar a remojo desde la noche anterior unos garbanzos, lentejas, guisantes y cebada, poner todo a hervir en agua y sal. Hervir aparte un repollo troceado con agua y sal. Picar bien un puerro, eneldo, hinojo, acelgas, orégano, cilantro, apio y perejil (en lugar del ligústico). Sofreír todo en una olla de barro con un poco de aceite. Añadir el sofrito a las legumbres y cebada junto con un poco de garum o en su lugar dos filetes de anchoa disueltos en su propio aceite. Servir la sopa decorada con el repollo.

Lechón asado y relleno con miel y hojaldre

Rellenar el lechón con trozos de masa tipo hojaldre en forma de galletas secas, miel, laurel, pimienta y vino. Mezclar todo para que las galletas absorban el líquido. Coser el lechón e introducir en el horno envuelto en aceite, sal y pimienta con hojas de laurel. Retirar una vez cocinado y servir con su propio jugo

Nashville skyline

Bob Dylan ha sido uno de los músicos más completos, polifacéticos y creativos que hemos concebido en la historia de la música moderna; se ha mantenido, desde 1962 que publicó su primer álbum, escribiendo; siendo el cantautor que todo adolescente apasaionado de la música se enamora. Desde los '80 hasta el 2000, ese hombre ha marcado a varias generaciones. ha inspirado quizás mucho mas de los trabajo que el propio ha hecho y en su música demasiadas millones de personas se han inspirado.

(Robert Allen Zimmerman; Duluth, EEUU, 1941) Cantante y compositor estadounidense de folk y rock, una de las grandes figuras de la música contemporánea, cuya producción musical lo erigió en un referente entre los cantautores. Su admiración por el poeta Dylan Thomas le llevó a adoptar el apellido artístico por el que se ha hecho popular. En la década de 1960 creó un estilo propio a partir de la recuperación de la música folk, a la cual añadió unas letras cargadas de simbolismo y reivindicaciones, que le convirtieron en un líder para la juventud contestataria de su país. Canciones como Blowin’ in the Wind, Maters of war o Talkin’ World War III blues revolucionaron el pop mundial y abrieron nuevos caminos tanto para cantautores como para bandas de rock. En 1965 recurrió a los instrumentos eléctricos e inició una serie de bruscos virajes, tanto estilísticos como espirituales, que le valieron numerosas críticas de los seguidores más puristas del folk. Tras un largo período de silencio discográfico, volvió a llamar la atención con un trabajo recopilatorio grabado en directo y sin instrumentos eléctricos, Unplugged (1995). Algunos de sus álbumes más destacados son The freewheelin' BobDylan (1963), Blood on the tracks (1975) y Oh mercy (1989), mientras que Love and theft (2001) y Modern times (2006) figuran entre sus últimos discos. Nominado para el Nobel de Literatura, fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2007.

Desde la infancia mostró un gran interés por la música y la poesía. Vivía en un entorno rural y conoció de primera mano la música tradicional americana de origen europeo. En 1959 empezó a estudiar en la Universidad de Minnesota, donde entró en contacto con la llamada música folk y con la canción protesta. Frecuentaba los locales nocturnos en los que se interpretaba música y pronto empezó a actuar en ellos. Además, pasaba más tiempo cantando y tocando la guitarra y la armónica que estudiando. Fue entonces cuando adoptó su nombre artístico. Bob Dylan abandonó definitivamente los estudios universitarios y, decidido a dedicarse por completo a la música, en 1961 se trasladó a Nueva York.

Allí empezó a cantar en los cafés de Greenwich Village, donde se reunían los aficionados al folk. El joven cantante llamó la atención de las más importantes figuras del género, a las que admiraba y que pronto lo consideraron uno de los suyos. Con sus guitarras, banjos, tambores y armónicas, los cantantes folk de los años sesenta iban de la mano con la expansión de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam. Músicos como Pete Seeger, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, en general jóvenes comprometidos blancos de clase media y urbanos, estaban convencidos de que con canciones podían combatir el comercialismo, la hipocresía, la injusticia, la desigualdad y la guerra. También Bob Dylan transmitía con sus letras de alto contenido poético mensajes que daban un nuevo sentido a la música popular. Sus canciones de protesta no sólo reflejaban los sentimientos de la gente hacia los temas contemporáneos, sino que los creaban, ganándose el título de la voz de su generación.

Una elogiosa crítica aparecida en
The New York Times le abrió las puertas del mercado
discográfico: la discográfica Columbia Records le ofreció
grabar su primer disco, titulado Bob Dylan (1962).
En este primer vinilo alternó canciones del
repertorio folk y blues e incluyó dos temas propios.
Bob Dylan fue bien recibido por la crítica y el público y ya
 mostraba las características esenciales de su estilo: mezcla
de las distintas tradiciones musicales populares americanas
 (especialmente el folk de origen europeo y
 el blues afroamericano) y gran importancia de las letras
de las canciones.

En 1963 se publicó el segundo disco de Bob Dylan, The Freewheelin’ Bob Dylan, que fue un gran éxito. De entre las canciones que contenía este álbum destaca Blowin’ In The Wind, convertida muy pronto en un auténtico himno generacional. Esta canción se cantaba en las manifestaciones pacifistas y a favor de los derechos civiles de la población afroamericana y fue rápidamente traducida a diversos idiomas. Dylan se había convertido en una figura de proyección internacional. Su tercer disco llegó en 1964 y el título, que lo es también de una de las canciones que contiene, expresa el sentir de una época: The Times They Are A-Changin’; es decir, Los tiempos están cambiando.

La imagen de Dylan como cantautor comprometido y figura importante de la canción protesta cambió con su siguiente disco, aparecido en 1965 y titulado Highway 61 Revisited, que incluye el tema Like a Rolling Stone. Esta canción, un auténtico exponente de genuino rock-and-roll, marcó el inicio del Dylan rockero, aunque no dejara de conceder gran importancia a las letras. En el Festival de Folk de Newport, ante la sorpresa y disgusto del público, actuó acompañado por una guitarra eléctrica y amplificadores: no volvería a ser invitado. Lo que estaba haciendo Dylan era revolucionar la idea de música folk, ampliando sus posibilidades. El 1 de junio de 1966 conquistó
 Europa desde el Olympia de París. El 29 de
julio de este mismo año sufrió un accidente
 de moto, tras el cual desapareció de
 la vida pública durante dos años.

Joan Baez y Bob Dylan (1963)

En 1970 se estrenó la película El precio del fracaso, dirigida por Sidney J. Furie y con banda sonora de Bob Dylan. Tres años después llegó a la gran pantalla un nuevo filme con música de Dylan, Pat Garret y Billy The Kid, dirigida por Sam Peckinpah y en la cual el cantante interpretaba un pequeño papel. En 1975 rodó su única película como director, Renaldo y Clara, y tres años después apareció en un documental firmado por Martin Scorsese titulado El último vals. Para este último trabajo, el director americano se basó en el histórico concierto de despedida de The Band, el grupo que entre mediados de la década de 1960 y mediados de la siguiente acompañaba a Bob Dylan en muchos de sus recitales. El concierto tuvo lugar el Día de Acción de Gracias en Winterland, San Francisco, y en él participaron, además de Dylan y The Band, músicos notables como Eric Clapton, Neil Young, Ringo Starr y otros.

Las canciones de Dylan de la década de 1980 responden, en su mayoría, a sus inquietudes religiosas, y sus letras adquieren una notable profundidad. No vivía entonces su momento de mayor popularidad, aunque los veinticinco años de carrera musical no pasaron por alto ni a su discográfica ni al público. Así, en 1985 apareció un quíntuple álbum antológico, Biograph, que contenía versiones inéditas de algunas de sus canciones.

Dylan fue durante años un referente generacional, y llegó un momento en que los textos de sus canciones empezaron a interesar seriamente a la intelectualidad de la época. El gran poeta del movimiento beat Allen Ginsberg no dudó en mostrar su admiración por Dylan refiriéndose a él como “un importante bardo americano del siglo XX cuyos textos han influido a generaciones en todo el mundo, lo cual le hace acreedor del premio Nobel”. De hecho, desde 1996 y año tras año, el escritor y profesor de literatura Gordon Ball postularía a Dylan para la concesión de este importante premio, y la primera vez lo hizo a instancias de Ginsberg, fallecido en 1997.

A lo largo de su carrera ha recibido premios como el doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, diversos Grammy y el Lifetime Achievement Award como reconocimiento a su trayectoria artística. Comendador de la Orden de las Artes y las Letras francesas,
 en 2001 recibió un Óscar a la mejor canción original
 y un Globo de Oro por Things Have Changed,
tema incluido en la banda sonora de la
película The Wonder Boys, dirigida por
Curtis Hanson. En 2006 recibió dos nuevos
 premios Grammy por Modern Times, disco editado ese mismo año y galardonado como mejor álbum de folk contemporáneo. Además recibió por una de las canciones de este trabajo, Someday Baby, el reconocimiento como mejor solista de rock.

En los últimos años Dylan ha participado en la banda sonora de nuevas películas como Miedo y asco en Las Vegas, de Tery Gilliam (1998), y Anónimos, de Larry Charles (2003), en la que también intervenía como actor encarnando a una vieja gloria de la música encerrado en prisión. Pero también su vida y su obra han interesado a directores de cine importantes, como Martin Scorsese, que en 2005 realizó un documental titulado No Direction Home. Dos años después llegaba a la gran pantalla un filme en el que Dylan no intervenía directamente pero que estaba basado en su vida, I’m Not There, dirigido por Todd Haynes. El filme, que contaba con el beneplácito del artista, fue presentado en el Festival Internacional de Cine de Venecia en agosto de 2007.

Si algo le faltaba a Bob Dylan para acabar de forjar su leyenda, era la publicación de su autobiografía. Chronicles Volume One vio la luz en 2004 y supuso todo un acontecimiento literario internacional. En junio de 2007 se hizo pública la concesión del premio Príncipe de Asturias de las artes al cantante. Entre los candidatos figuraban el compositor Andrew Lloyd Weber, los arquitectos Frank O. Gehry y Rafael Moneo, así como la pianista Maria João Pires. El jurado se decidió por Dylan por su condición de “mito viviente” y por haber sido “el faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo”. Se subrayó “la austeridad en las formas y la profundidad en los mensajes” en las canciones del músico estadounidense.

El cantautor fue uno de los grandes ausentes en la ceremonia de entrega de los premios, el 26 de octubre en el Teatro Campoamor de Oviedo. Envió, sin embargo, un escueto mensaje en el que agradecía la concesión del galardón. Ese mismo mes se publicaba una retrospectiva de su obra en tres discos compactos que recogían más de cuarenta años dedicados a la música. Pocos días antes Dylan había asistido, en una sinagoga de Atlanta, a la celebración del Yom Kippur, el Día del Perdón. Allí rezó y mostró públicamente su retorno al judaísmo de sus orígenes familiares.

Enlaces:
http://www.youtube.com/watch?v=JlDrHDc8DSQ
http://www.youtube.com/watch?v=cLiLSRKms30
http://www.youtube.com/watch?v=JdCfhLAWioA&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=5_swaxOidGU&feature=related

Gastronomía romana

Son dos los escritores que más y mejor constancia han dejado de la comida y de las tradiciones culinarias en la época romana. Por orden cronológico, Marco Gavio Apicio (Caius Apicius), nacido hacia el 25 a.C., autor del libro de recetas De re coquinaria libri decem (Los diez libros de cocina), constituyó una obligada referencia durante varios siglos.

 El siguiente punto de referencia de la culinaria romana es Petronio, el llamado árbitro de la elegancia en tiempos de Nerón. Su Satiricón es la plasmación más objetiva de la vida romana en aquel tiempo.El episodio más importante nos describe ampliamente un festín ridículo en casa de un liberto riquísimo, Trimalción.

Pate de olivas

"Picar unas aceitunas negras sin hueso, unas anchoas (sin el aceite), unas alcaparras, medio diente de ajo y pimienta verde fresca. Para dar ligereza a la masa añadir aceite de oliva virgen. Servir sobre unas tostadas de pan."(Posible receta de paté de aceitunas)

Lentejas con castañas

“Poner en una cazuela castañas peladas. Cocer con agua y un poco de bicarbonato sódico. Moler en un mortero pimienta, comino, semillas de culantro, menta, ruda, raíz de láser y poleo; machacar bien y empapar con vinagre, miel y garum. Verter sobre las castañas cocidas. Añadir aceite y poner a hervir. Cuando esté todo bien cocido machacar en el mortero y aderezar con esta salsa las lentejas ya cocidas. Servir y aliñar con aceite verde.”

* Para realizar el  garum, se sigue el siguiente procedimiento: 

1. Preparar una salmuera con agua y sal. Proporción 140 g de sal por litro de agua.
2. Poner en una olla: 3 litros de salmuera, 1 Kg de pescado y un ramito de orégano fresco.
3. Llevar a ebullición y cocer a fuego muy lento hasta que el pescado comience a deshacerse.
4. Filtrar dos o tres veces utilizando una gasa, hasta que esté totalmente limpio. [Tened en cuenta que durante la ebullición disminuye el volumen y la sal, de manera que el volumen una vez filtrado debería ser de 2 l o un poco más]
5. Este paso no es necesario: En la receta de la Geopónica se le añade defritum (mosto hervido hasta reducirlo a la mitad o a un tercio de su volumen), de manera que, si se quiere, se puede añadir vino Marsala.

Pintoras siglo XVIII (2)

 Mary Moser( 1744-1819) fue una de las mejores pintoras de flores nació en Londres en 1744. Su maestro fue su padre, pintor y medallista suizo. Demostró un talento precoz ganando a los 15 años la primera medalla de plata de la Royal Society of Arts, de Londres.dCuando, en 1768, se fundó la Royal Academy de Londres su padre estaba entre los artistas fundadores y también ella, junto con Angelica Kauffman, lo que les permitiría exponer anualmente pero no asistir a las clases de desnudo. En 1790 recibió un encargo de la reina Carlota, alemana, esposa del rey Jorge III y coleccionista de libros de botánica, para decorar con guirnaldas de flores los muros y techo de una habitación del palacete de Frogmore (junto al castillo de Windsor). n 1793 se casó y en adelante solo expuso sus obras como amateur. Murió en 1819 y no hubo más mujeres elegidas académicas hasta 1936. 

Pintoras siglo XVIII (I)

Angelika Kauffmann fue una pintora suizo-austríaca nacida en 1741.  Viajó varias veces a Italia; conoció Milán, Roma Bolonia y Venecia, lugares en los que fueron apreciados su talento y personalidad. Su amistad con sir Joshua Reynolds, contribuyó para que Angélika fuese una de las fundadoras de la Royal Academy, ya que su firma figura en la petición al Rey de instaurar una Academia Real de Pintura y Escultura. Los mejores trabajos de Angelika son los de temas históricos. Entre estos figura Leonardo expirando en los brazos de Francisco I (1778). Además participó en la pintura de la Catedral de San Pablo, escogida junto a otros por la Academia, y pintó la antigua sala de lectura de la Academia de Somerset House con Biagio Rebecca. En 1782 se produce la muerte de su padre; y en 1795 de su marido. Siguió contribuyendo a la Academia de manera esporádica, exponiendo por última vez en 1797. Posteriormente su producción decae. Murió en Roma, en 1807. Su funeral fue dirigido por Canova y toda la Accademia di San Luca, con gran número de eclesiásticos y virtuosos que la escoltaron hasta llegar a su tumba en San Andrea delle Fratte y llevando también en procesión dos de sus pinturas.

Venus convence a Helena de ir con Paris (1790)

Muerte de Alcestis

Enlaces destacables # 2

http://www.claseshistoria.com/

Se trata de unapágina donde podremos encontrar parte del temario de Historia bien resumido y explicado, hasta los totalitarismos de entreguerras.

Pintoras siglo XVII (II)

La pintora portuguesa más importante de la segunda mitad del siglo XVII fue Josefa de Ayala. Josefa nació en Febrero de 1630  en Sevilla y fue apadrinada por el pintor sevillano Francisco de Herrera. Tres años más tarde sus padres regresaron a Portugal y no se sabe con certeza si la niña se fue con ellos o se quedó junto a su padrino y su abuelo materno. Josefa tuvo siete hermanos, tres de los cuales fallecieron precozmente.

Hacia 1644 la joven se encontraba instalada en Coimbra, se supone que en el convento agostino de Sant’Ana, recibiendo educación religiosa y los primeros rudimentos artísticos, pero, no siguió el camino religioso de la vida en el convento. Su padre fue llamado a pintar en esta ciudad universitaria, donde realizó grandes obras tenebristas que ejercieron mucha influencia en el trabajo de Josefa.

                                                                                                     

Josefa regresa a Óbidos con su familia y en 1653        

realiza un grabado alegórico de la “Sabiduría” para 

los nuevos Estatutos de la Universidad de Coimbra

 y pinta el “Pentecostés” destinado al altar de 

Sé Nova de Coimbra.

El estilo de Josefa parte de la influencia del naturalismo 

tenebrista de Baltazar y adquiere una 

personalidad propia, siendo definido como 

“sui generis”, reflejo de una particular intuición

 poética, de paleta suelta y libre de imposiciones

 académicas.

Luego de la muerte de su padre, en 1674, probablemente Josefa haya tenido necesidad de realizar con más frecuencia encargos públicos para mantener a su anciana madre y dos sobrinas huérfanas que vivían con ella. Esta podría ser la razón por la cual algunos de sus trabajos de temas religiosos y bodegones tardíos presentasen cierta dureza en la composición y cansancio en la pincelada.

Josefa murió en Óbidos en 1684, a los 54 años, y fue enterrada en la iglesia de San Pedro. Su historia estuvo cubierta de leyendas, incertidumbres y errores, como el hecho de considerarla discípula de Zurbarán, haber viajado por Italia o Flandes, o haber sido una pintora de corte. 

Pintoras siglo XVII

Autorretrato (ca. 1665) Óleo sobre lienzo, 109 x 87.5 cm

Mary Beale nació en Suffolk, fue hija de un clérigo puritano llamado John Cradock y  

 quedó huérfana de madre a la edad de 10 años. Su padre era un pintor 

amateur que la puso en contacto con artistas locales como Nathaniel

 Thach, Metthew Snelling, Robert Walker y Peter Lely. A la edad 

de 18 años, cuando ya era retratista semiprofesional, contrajo

 matrimonio con Charles Beale, comerciante de ropas de Londres

 y también pintor aficionado. La pareja se mudó a Londres en 

1654. Mary y Charles tuvieron dos hijos, Bartholomew y Charles.

Hacia 1670 mary establece un estudio con gran éxito, atrayendo gente muy influyente. También se afianzó su amistad con el pintor de la Corte de Charles II, Sir Peter Lely, quien tuvo una gran influencia en su obra, ya que Mary tuvo la posibilidad de observarlo trabajar en su estudio e imitar el estilo de retrato de Corte que tenía características definidas tanto en la composición y la paleta utilizada como en la posición del modelo y la expresión del rostro.

Se conocen datos de que Mary tuvo dos alumnos hacia 1681, Keaty Trioche y Mr. More. También su asistente, Sarah Curtis, se dedicó después a su propia carrera en la pintura. Trabajó hasta el año de su muerte, en 1699

Retrato de una joven (c. 1681) Óleo sobre lienzo, 53,5 x 46 cm

 

Pintoras siglo XVI (II)

Sofonisba Anguissola (ca. 1532-1625), la mayor de las hijas de Amilcare Anguissola, era miembro de la baja nobleza de Cremona. Ella y sus hermanas fueron educadas en el humanismopor su padre y desarrollaron en la música, pintura y literatura sus conocimientos adquiridos.

Sofonisba tuvo como primer maestro en los rudimentos básicos de la pintura a Bernardino Campi. Como las jóvenes aprendices tenían prohibido practicar con modelos, la experiencia de Sofonisba se restringía al retrato de los miembros de su familia -logrando escenas cotidianas de una delicada intimidad- y al de sí misma, llegando a encontrarse autorretratos suyos desde los quince hasta casi los noventa años.

A los 21 años, luego de pasar unos tres años como aprendiz de Bernardino Gatti, viajó a Roma, donde recibió el consejo de Miguel Ángel y su fama como artista fue aumentando, tanto que uno de sus autorretratos fue adquirido por el Papa Julio III. Giorgio Vasari llegó a citarla en su libro “Vidas de los más sobresalientes arquitectos, escultores y pintores”.

Viajó también a otras ciudades como Mantua o Milán, donde contactó con el Duque de Alba. Sofonisba fue elegida como dama de honor de la reina desde 1559, época en la que desarrolló activamente su labor como retratista de la familia real y otros personajes de la corte. Retrató a Juana, (la hermana de Felipe II) y a su hijo, Don Carlos, a Isabel de Valois y a Ana de Austria, la cuarta esposa de Felipe II. Sofonisba se casó en 1571 con Don Fabricio de la Moncada, (matrimonio auspiciado por Felipe II) y partió a Sicilia; durante este enlace, que duró cinco años, no se sabe mucho de ella. Luego contrajo matrimonio con Orazio Lomellini, hombre más joven que ella y de inferior rango social, por lo que no fue apreciado en el entorno familiar de Sofonisba. Sin embargo durante este matrimonio, instalada en Génova, pudo seguir trabajando en retratos y cuadros religiosos. En 1615 se trasladó a Sicilia, su último retrato es del año 1620. Falleció en Palermo, dos años más tarde.

 Felipe II by Sofonisba Anguissola (1565)

Autorretrato de Sofonisba, 1556

Pintoras siglo XVI

Voy a ir relatando siglo por siglo, distintas pintoras destacadas de esta. Vamos a empezar con el siglo XVI :

Lavinia Fontana

Lavinia Fontana nació en 1552 en Bologna, ciudad de Italia que se destacaba por su progresismo, y una prueba de ello es que su universidad aceptó a mujeres estudiantes desde el siglo XIII.

La pintora adquirió fama en Bologna en sus primeros años de trabajo y esta se extendió luego por Italia. Fue conocida por sus pinturas de retratos de la clase alta bolognesa, que fueron muy bien pagados. Sus modelos se ven posando en forma natural y se destaca su maestría en la pintura de ropajes y joyas. El retrato de la familia Gozzadini (1584) se encuentra entre sus obras más importantes.

Su Autorretrato tocando la espineta (1977, Academia Nazionale di San Luca, Roma), es considerado su obra maestra por algunos estudiosos. En él puede apreciarse que fue una mujer bella y se la ve tocando el instrumento acompañada de una criada; una escena semejante a la de una pintura de Sofonisba Anguissola. De sus pinturas más tempranas se conserva la de “Cristo con los símbolos de la pasión” (1576), actualmente ubicado en El Paso Museum of Art.

En 1577 Lavinia se casó con el pintor Gian Paolo Zappi, de origen noble, a quien conoció en el estudio de su padre. Este fue un matrimonio fuera de lo común, ya que Paolo abandonó su carrera artística para ocuparse de las cuestiones hogareñas y el cuidado de los once niños que tuvo la pareja (de los cuales solamente tres sobrevivieron a su madre), mientras Lavinia mantenía a su familia con la pintura. Paolo ayudaba también a pintar los fondos en las obras de su mujer.

Un hecho realmente destacable es que Lavinia llegó a pintar desnudos femeninos y masculinos en pinturas religiosas y mitológicas de grandes formatos, algo inédito para una mujer hasta ese momento. En 1589 recibió el encargo de elaborar pinturas sacras para la iglesia del Palacio Real español, trabajo que incluía estudios de modelos desnudos. La obra, titulada “Familia Sagrada”, fue tan exitosa que motivó que contratasen a la artista en la iglesia de Santa Sabina en Roma.

En 1603 Lavinia se mudó permanentemente a Roma con su familia, donde fue elegida pintora oficial de la corte del Papa Clemente VIII y tuvo el mecenazgo de los Buoncompagni. También fue distinguida como miembro de la Academia Romana. Su primer encargo importante fue una pintura de gran formato para el altar de la Basílica de San Paolo Fuori le Mura, que lamentablemente un incendio destruyó en el año 1823. En Roma, el papa Paolo V en persona estuvo entre sus modelos. Lavinia murió en Roma, el 11 de agosto de 1614.

Autorretrato tocando la espineta (1577)

Academia Nazionale di San Luca, Roma

Hécabe.

Hecabe ₁ is sometimes called daughter of Dymas ₂. Others say that she is the daughter of Cisseus ₂, and still others say that she is the daughter of the river god Sangarius and Metope ₂. Hecabe ₁ dreamt, when her second child (Paris) was about to be born, that she had brought forth a firebrand which consumed the city of Troy. After the sack of Troy, she was assigned to Odysseus. Some say that she turned into a bitch and that, for this reason, the place where she is buried is called the Bitch's Tomb.  

Hécabe es a veces considerada hija de Dymas. otros dicen que es hija de Ciseo y todavía otros decían que era hija del río Sangario y Metope. Hécaba soñaba,  cuando su hijo París estaba a punto de nacer, que había traido de ahora en adelante un instigador que consumiró la ciudad de Troya. Después del saqueo de troya, ella fue asignada a Ulises. Algunos dijeron que se volvió una bruja y ,por esa razón, el lugar donde ella fue enterrada se llama la Tumba de la Bruja. 

Antiquarium de Sevilla

El  Museo Antiquarium  de Sevilla se halla  en el Nivel -1 del Espacio Metropol Parasol y alberga restos arqueólogicos correspondientes  a varias épocas históricas de la ciudad, hallados en las obras sobre la Plaza de la Encarnación.

Varias domus romanas con patios y mosaicos que abarcan desde el periodo de Tiberio(30d.C.) hasta el s. VI, una factoría de salazones, y una Casa islámica almohade de los siglos XII y XIII.

Ubicados en un espacio diáfano de 4.879 metros  cuadrados, recorridos con una pasarela de 400 metros, con los restos de la ciudad romana a  la cota -5.45 metros y una altura libre de 3.95 metros, podemos ver:

La Casa de la Noria  -   Una Fábrica de salazones s.I   -  Casa Romana   -  Casa de la Columna, que  conserva  el  patio y Mosaico de la Medusa   -   Casa de las Basas   -   Casa de la Ninfa  -  Casa de Baco  -  Casa del Sigma  -  Hospitium de los delfines  -  Patio del océano con pinturas murales de 3 metros.

El  museo también dispone de una Sala Multiusos de 1.000 metros cuadrados, destinada exposiciones  temporales  y  conferencias,  la  primera de ellas  será  la exposición de Tesoro del Carambolo, prevista para mediados de abril.

 

Muerte de Patroclo.

Death of Patroclus ₁
When one of the ships caught fire, Achilles perceived the gravity of the situation, and letting go a part of his wrath, he let his friend Patroclus ₁ go into battle with a force of Myrmidons. But as it had been predicted, Hector ₁ killed Patroclus ₁, who before dying said:

"You too, I swear it, have not long to live. Already Destiny and Death are very close to you, and you will die at the hands of Achilles." (Patroclus ₁, dying, to Hector ₁. Homer, Iliad 16.850).

When Hector ₁ had killed Patroclus ₁, he intended to behead the corpse, drag it off, and give it to the dogs of Troy, but the body was finally retrieved by the Achaeans. Yet he kept Achilles' armour, which Patroclus ₁ had worn.

Cuando una de las naves comenzó a prenderse, Aquiles percibió la gravedad de la situación, y  dejó aplacada su ira, dejó que su amigo Patroclo fuera a la batalla con los Mirmidones. Pero como estaba predecido, Héctor mató a patroclo, quién antes de morir dijo:

" Tu también, te lo juro, no vivirás mucho. El Destino y la Muerte ya estar muy cerca de tí, y tu morirás a manos de Aquiles"

Cuendo Héctor hubo matado a patroclo, él intentó decapitar el cuerpo, arrastrarlo, y dárselo a los perros de Troya, pero finalmente el cuerpo fue devuelto a los aqueos.  Él todavía llevaba la armadura de Aquiles.

Héctor

Hector ₁, of the flashing helm, was the eldest among the children of King Priam ₁ of Troy and Hecabe ₁. He was expected to become king of Troy after his father. But as the city was attacked by the Achaean invaders, he became the leader of the alliance defending Troy. In the tenth year of the war Hector ₁ was killed, and the kingdom that was his inheritance was destroyed. 

Héctor, el de tremolante casco, era el mayor de los hijos del rey Príamo de Troya y Hécabe. Se esperaba que fuera el próximo rey de Troya tras su padre pero cuando su ciudad fue atacada por los invasores aqueos, se convirtió en el líder de la alianza que defendía Troya.  En el décimo año de la guerra, Héctor fue asesinado  y el reino que era su herencia fue destruido.

Across the Universe

Año: 2007

Duración: 131 min.
Género: Drama, musical.
Interpretación: Evan Rachel Wood (Lucy), Jim Sturgess (Jude), Joe Anderson (Max), Dana Fuchs (Sadie), Martin Luther McCoy (Jo-Jo), T.V. Carpio (Prudence), Bono (Dr. Robert).

Música: Elliot Goldenthal.

Dirección: Julie Taymor.

 

      

Across the universe es un músical donde casi la totalidad de su banda sonora es de los Beatles, es un tributo a esta banda y al movimiento hippie que surgió en la década de los '60 en EE.UU, mostrando desde el Village mas rockero hasta comunas en mitad del campo. También trata sobre las protestas surgidas contra la guerra de Vietnam o las revueltas producidas en Detroit. Si te gustan los Beatles y sientes el más mínimo aprecio por alguno de los  6 principales personajes seguramente la vuelvas a ver en algún momento.                                                                                       

                                                                                                        

     

El segundo libro que voy a recomendar, bueno autor pues tiene una serie que relata con una excactitud histórica el reinado de Tibero Claudio, Calígula y Claudio el Cojo, además de parte de los últimos años del gobierno de Augusto. Habla en profundidad de la familia Julia y de las tramas familiares e intrigas suscitadas por uno de los principales personajes de esta época, Livia.

El autor Robert graves (Londres, 1895 - Deià, 1985)  es un ensayista y novelista inglés que combinó la ironía, el intelecto y el clasicismo, muy conocido por sus novelas de históricas fue profesor de la universidad de Egipto.

Página destacable #1

http://www.bibliotecasvirtuales.com/

Este se trata de un enlace con la página de bibliotecas virtuales, en la que nos podemos encontrar detallados diferentes libros de la literatura clásica con sus corespondientes resúmenes y los libros completos.

Primera recomendación

La primera lectura que voy a recomendar se trata de una de mis favoritas por excelencia sobre la historia de Roma, es una lectura, amena, que sigue un tono que hace que te sumerjas en la lectura.  Se trata de la Historia de Roma de Indro Montanelli.

Este es un renombrado periodista italiano nacido en 1909 que además de sis intereses en política también ha escrito una serie de libros sobre la cultura clasica que se han convertido en una pequeña historia para los no historiadores, son muy bueno libros de iniciazión para conocer la historia de Roma y de Gracia en la Historia de los griegos.

Historia de Roma está organizada en cortos episodios donde Montanelli repasa los principales personajes y acontecimientos de la historia del imperio. Se explica cómo el pueblo de los latinos y los sabinos acaba destruyendo a los etruscos y expandiendo su dominio por la península, se relata la vida cotidiana de los romanos, las guerras con Cartago, Grecia y los galos, la expansión mediterránea, el apogeo de la República y la violenta transición hacia el cesarismo, los dictadores, la influencia del cristianismo, la partición del imperio y las invasiones bárbaras.

Hace un gran análisis en la obra por las causas por las que este gran basto imperio cayo. Se puede descargar también de Internet en la página : http://www.filestube.com/h/historia+de+roma